ホワイトチャペルで美術史を書き換える

牧歌 II (詳細; 1956)、ミリアム・シャピロ。 レベット・コレクションの厚意による。 © ミリアム・シャピロのエステート/ARS、ニューヨーク州およびDACS、ロンドン、2022

ホワイトチャペル ギャラリーの「アクション、ジェスチャー、ペイント」に近づくと最初に目にする絵画は、1974 年のヘレン フランケンターラーの広大な作品です。エイプリル ムードは、入り口のほぼ幅いっぱいに広がっており、薄いアクリル絵の具の液体のプールが特徴の長くて水平なキャンバスです。 それはほとんど風景であるかもしれません。左側では、大きな灰色の領域が、紫の水の継ぎ目とあくびをするような青の広がりに向かって崖のように落ちています。 頂上近くでは、ピンクと黄土色のフラッシュが、朝日の光を浴びた雲を暗示しています。 近くで見ると、各カラー フィールドの微妙な変化と、ある色相から別の色相への穏やかなブラシ、にじみ、滴りが浮き彫りになります。 人を引き込むのに適した作品だ。

最初の部屋に入ると、すぐに静けさが喧騒に変わります。 どこを向いても、何か新しく予期せぬものが視界に現れ、展覧会のより広範な野心を反映する体験が得られます。 何十年にもわたって、抽象表現主義は、他の現代美術運動と同様に、インスピレーションを受けた少数の芸術家（ほぼ白人男性のみ）の発明として提示されてきました。 ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、ハンス・ホフマン、クリフォード・スティルらの絵画は何十年にもわたって広く展示され賞賛されてきたが、それらに相当する多くの女性の作品は広く無視されてきた。 最近、何人かの女性がより注目を集めていますが（フランケンターラーはドイツのフォルクヴァング美術館で3月まで個展が開催され、昨年はダルウィッチ絵画ギャラリーで彼女の木版画の展覧会が開催されました）、正典に復帰したすべての芸術家には、無視され、過小評価されたままの人々が数十人いる。 この展覧会では、還元的な美術史の物語の背後に隠された鮮やかな芸術の生態系を垣間見ることができます。

April Mood (1974)、ヘレン・フランケンサーラー。 提供: ASOM コレクション。 © Helen Frankenthaler Foundation, Inc./ARS、NY および DACS、ロンドン、2022

これは非常に野心的な展覧会で、世界中の 80 人のアーティストによる 150 点以上の作品が展示され、すべてがジェスチャー抽象化を使用することで緩やかに結びついています。 学芸員らは絵画を年代順や地域別に紹介するのではなく、幅広いテーマに分類しており、最初の部屋の絵画では、芸術家たちが絵の具の物質性を実験した（そして明らかに楽しんでいた）さまざまな方法が示されている。 フランケンターラーの左側には、英国人芸術家サンドラ・ブロウによる 3 つの絵画 (絵画 (57)、1957 年、コンポジション I、1960 年、およびクリエイション、日付なし) – ムーディな黒と赤の差し迫った粗い構図 – オードリー・フラックの作品と肩を並べて展示されています。アブストラクト フォース: フランツ クライン (1951 ～ 52 年) へのオマージュ。ブロック状のフォルムと飛び散り滴り落ちるペイントをカラフルに組み合わせたもの。 右側には、深紫色の油絵の不可解な一枚岩が迫っています – 大竹富江の「Roxo (Purple)」、1966 年作。後ろには、桂ゆきによる 3 つの作品が群衆の中で際立っています。最初の作品は、裸のキャンバスに暗いアクリルの静脈の地図 (無題、 1960年頃）。 2つ目は、ヒマワリのオレンジと茶色の燃えるような構図（作品、1959年）。 3つ目は、テクスチャーのある黄色の豊かなタペストリーで、絵の具の細い蔓で縁取られています（作品、1958年から1962年）。

桂由紀の作品（1959年）。 ニューヨーク州ニューヨークのメリッサ M. スチュワードのコレクション提供。 © 桂由紀エステート

他のテーマグループも同様に多岐にわたります。 神話、象徴、儀式に特化したエリアには、サラ・グリロの「Ni Un Día Más」（1966 年）が含まれます。この作品は、日常生活から半ば記憶されているように見える文字、数字、フレーズが泳ぐ神秘的な二重キャンバスです。 1956 年のベヒャット・サドル師の無題の木版油絵もあり、古代の創造神話を思い起こさせる、火山のような赤、黒、青の小さな脈動する構図や、芸術家が捨てたキャンバスを共食いした精力的なコラージュ、リー・クラスナーの白頭鷲 (1955 年) もあります。と彼女の夫ジャクソン・ポロックは、古い作品に新しい命を吹き込みました。

女性: 紅海、死海 (1951)、エセル シュワバッハー。 提供：Levett Collection; © クリストファー・シュワバッハー

表示の選択の中には、少し恣意的に見えるものもあります。 たとえば、エセル・シュワバッハーの血の赤い絵（女性：紅海、死海、1951年とサンカティ2世、1956年）（彼女の妊娠と出産の経験に部分的にインスピレーションを得たもの）がなぜこのセクションに置かれるべきであり、そうではないのかはすぐにはわかりません。マーサ・エーデルハイトのギザギザの犠牲の肖像画（1958年）と並んで、「存在、表現、共感」をテーマにした2階。 どちらも女性の身体的な経験と欲望を描き、大胆な色と筆致を使用して身体的および感情的な緊迫感を生み出しています。 それにもかかわらず、これらのテーマは、世紀半ばの抽象化を支えるいくつかの核となる原則、興味、影響を紹介するのに役立ち、個々の作品を熟考するための方法を提供します。 ミリアム・シャピロの『田園 II』（1956 年）は、パフォーマンスとジェスチャーに特化したセクションで、間違いなく彼女の広範囲に震える筆運びによって命を吹き込まれており、同時に彼女自身の表現力豊かな動きをたどり、合体してダイナミックなカラフルな人物の群れを示唆しています。 イヴォンヌ・トーマスによる「環境、自然、知覚」グループの 3 つの絵画 (To the Forest、1960、Exploration、1954、および Transmutation、1956) は、芸術家が影のある青から周囲の雰囲気に合わせてパレットをどのように変更したかを示しています。最初の作品では緑、後者では暖かくぼんやりとした色合いに変化します。

『牧歌 II』（1956 年）、ミリアム・シャピロ。 レベット・コレクションの厚意による。 © ミリアム・シャピロのエステート/ARS、ニューヨーク州およびDACS、ロンドン、2022

付随するキャプションは主に伝記的なもので、個々の作品の背景は限られていますが、作品を制作した女性の経験や功績について興味深い洞察を提供します。 アルマ・トーマスは、ここでは「茶色のエチュード（オルガンの聖セシリア）」（1962年）と呼ばれる錆びた色のキャンバス1枚で表現されているが、アフリカ系アメリカ人女性として初めての聖職者になる前は、教職に就きながら台所のテーブルで芸術作品を制作していた。 1972年にホイットニーで個展。ピペットを使ってキャンバスにエナメル絵の具を滴らせたウクライナ生まれの独学アーティスト、ジャネット・ソーベルは、1945年にペギー・グッゲンハイムのギャラリーで革新的な作品を発表し、そこでジャクソン・ポロックやジャクソン・ポロックらによって鑑賞された。影響力のある美術評論家クレメント・グリーンバーグ。 ポロックはわずか 2 年後に彼自身の象徴的なドリップ ペインティングの最初の作品を作成しましたが、抽象表現主義の主要な擁護者であるグリーンバーグがソーベルの影響を認めるまでにはかなり長い時間がかかりました。

これらは魅力的な物語ですが、紹介する画家が非常に多いため、それぞれの芸術的な物語についてはつかの間の洞察しか得られず、忙しさのせいで個々の作品が十分に評価されておらず、隣の作品に少し近づきすぎている傾向があります快適さのために。 しかし、この混雑したキュレーションのアプローチには、欠陥であると同時に意図的に挑発的な機能のように見える何かがあります。 あまりにも長い間、ジェスチャー抽象芸術の歴史は、少数の有名な男性の名前に還元されてきました。 「アクション、ジェスチャー、ペイント」は、運動の範囲と多様性、そして貢献した人々の数を力強く自信を持って思い出させます。 本当の物語は絵画そのものと同じくらい厄介で多面的であり、それを祝う時が来たのです。

「アクション、ジェスチャー、ペイント: 女性アーティストと世界的な抽象化 1940–70」は、ロンドンのホワイトチャペル ギャラリーで 5 月 7 日まで開催されます。

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